ピアノのある生活、ピアノと歩む人生

「ピアチェーレ」代表の私的ブログ

達者なことはいいことなのか? 

 

子どものコンクールなどで、恐ろしく達者な子どもがいる。小学生で難曲を弾ききってしまう。これはどうしてだろう?まぁ、才能・・・と言ってしまえばそれまでだし、努力というものもあるだろうと思う。真面目とか勤勉とかも。

彼らの弾いている姿というか、奏法には、ある共通点がある。それはユーチューブでも(その気になれば?)確認することができる。子どもは成長の途中段階なので、多くの場合、手や指は出来上がっていないことが多い。でも難曲は弾ける、これは腕の重み、身体の重みを上手に活用しているように思う。弾けるということは悪いことではないのだろうが、手放しで驚嘆すべきことであるとも限らないような気はする。達者な子どもの奏法は、ある意味往年の巨匠の弾き方と正反対のように思える。椅子にただ座って弾くというよりは、身体を総動員して能率的に(?)弾く。腕の重みというか、腕を鍵盤に乗せる感覚で弾くと、パッセージは確かに弾きやすい。

再び雁部一浩著の「ピアノの知識と演奏」から引用してみる。「たしかに腕を鍵盤に乗せるような感覚で弾くことによって指の負担は軽減し、速いパッセージを安定したレガートで弾くことが容易になります。音量や音色も揃いやすくなり、音がかすれる危険も少ないので、とりあえず難しい楽曲をそつなく弾くには良い奏法です。露骨に言えば、試験やコンクールの為にも有利でしょう」

僕もそう思う。非常に能率的な弾き方のように思う。指のアジリティが未発達な時期には、効率を最優先しなければ難曲は弾けないだろうから。

「しかし、この方法によって多くの人が、そつなくピアノを弾けるようになる反面、芸術的な音楽表現が犠牲になる傾向も否定できません。鍵盤に腕の重さを乗せる感覚を重視するので総じてタッチがレガートに偏り、アーティキュレーションの多様性やポリフォニーの対比が乏しくなりがちです。その結果、良く言えば流麗、悪く言えば凡庸な印象になるのです。このような意味でスポーツ的、健康優良児的な演奏は現在いたるところで見られるものです」

達者な子どもの演奏、一見(一聴?)パッセージなど見事なのだが、「音」に関しては、クリスタルクリアではなく、一瞬での音の立ちあがりの魅力に欠ける。大雑把には見事というか?でも指コントロールによる、音表情の多彩さ、これに欠ける。なので、曲を形式というか、外側から攻めているような演奏に聴こえてくる。楽譜が浮かんでくる演奏というか?また視覚的にも非常に熱演・・・のように見えるので、さらに「達者」という感覚が増していく。これは誰の好みなのだろう?子ども・・・ではないような気がする。教師?聴衆?審査員?どうなのだろう?音量や音色は揃っているのだが、変化に乏しい。なので、さらに大きな音を出そうとすると、まるでピアノに覆いかぶさるような演奏姿になってしまう。

往年の巨匠たち、指のアジリティが凄かったのではないかと想像する。指の付け根の部分の瞬発力。その部分でのコントロール力が凄いので、鍵盤の途中の微妙な部分を狙うことができたのではないだろうか?一瞬の音の立ちあがりが明確なので、大騒ぎしなくてもオクターブの連続なども軽々と弾けたのでは?

巨匠が難曲を弾くとどうなるのだろう?音表情そのものは、壮大なる雪崩・・・のような迫力があり、色彩パレットも豊富になる。指でのコントロールが素晴らしいのだ。難所でも飛び上がって弾く必要はなく、ただ鍵盤を見つめたまま淡々とした姿のまま弾けてしまうのだ。往年の巨匠・・・に限らずなのだが、本当に上手な人は弾いている姿として、上肢が動かない。これは共通しているように思う。

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演奏姿 

 

ピアノ奏法について、自分なりに感じることはある。でも言語化が非常に困難ではある。「バリバリ」という鋼鉄の音ではなく「コロコロ」みたいな音が好き、このような大雑把な言葉になってしまう。往年の巨匠たちの音は「コロコロ」している。労働を感じさせない演奏姿だし、ただ座って鍵盤を淡々と見つめ弾いている。でも演奏というか、出てくる音表情は多彩・・・なんだよね。バリバリ派は演奏姿が派手だ。恍惚奏法というのだろうか、腕を振り回し、時には天井を見つめ苦し気な表情やら恍惚表情で演奏する。でも音表情は単色というのか、曲の場面変化に音表情がついていかないというか?見た目は忙しそうなんだけど。難曲になるほど、「どうだ!!!」みたいな肉体的なものに酔っているというか?

手首を固定して指だけで弾く・・・古い奏法
腕全体を有効に用いる・・・新しい奏法

どうも、極端に走っているように感じる。特に日本の場合、ハイフィンガー奏法という哀しい歴史があったためか、腕信仰のようなものがあるように思う。やたら腕を振り回し、身体全体で弾こうとするためか、顔(音ではない)表情まで派手になっている感じだ。「型」というものがあり、そこに当てはめようとしているというか?「今はこうなんです」という型、主流の弾き方から、はずれるのを極端に恐れるというか?「こうなんですよ」というものに皆が盲目的に走っているというか?

指ではなく腕全体を多用すると、腕の重さは一定だから、タッチは揃う。ミスは少なるだろうし、流麗な感じにはなる。でも一定すぎるということは、どこか「凡庸」な印象を与えるのではないか?どこか現代の演奏に通じるものがあるような気がする。

鍵盤の底まで弾きましょう、芯のあるしっかりした音を出しましょう

このような信仰もまだ根強いように思う。なので指で猛烈に叩いてしまったり、腕全体を多用し、身体全体で弾こうとする。これは重力奏法ではなく、「重圧奏法」ではないだろうか?この場合、安定・・・はするかもしれないが、鍵盤の途中を狙うような、往年の巨匠たちの音のような、コントロールされた音表情には遠くなるような気がする。

鍵盤に指を乗せてから弾く、底ではなく途中のポイントを狙い、最小限の労力で弾く

往年の巨匠たちの音にはこれがあるように思う。まぁ、コロコロ・・・という言い方になってしまうが・・・

ある意味、これも型にはめてしまうことになるのかもしれないが、往年の巨匠たちの演奏姿、弾き方に共通しているものがあるとすれば、そこを感じてみることは無駄なことでもないように思う。でも往年組の映像というものは極端に少なくなる、ここが悩ましい。ローゼンタールやラフマニノフの弾き姿、もうこれは想像するしかない。聴こえてくる音表情から、こう弾いているのでは・・・と想像する。

でも少数ながら、映像が残っているピアニストもいる。その演奏姿で共通していること、それは雁部一浩著の「ピアノの知識と奏法」から引用すれば、「卓越したピアニストの共通した特徴、すなわち音楽の場面変化によって大騒ぎすることなく、常に動作が一定している」ということになるのではないかと思う。さらに引用すれば、「巨匠たちの多くは、ほとんどただ座っているだけという弾き方でした。現代の多くのピアニストが、これでもか、これでもかと力みを感じさせるようなパッセージを実に軽やかに弾いています」ということにもなるのだと思う。

あまり知られていないピアニストかもしれないが、ヤコブ・ギンぺルの演奏姿。上肢がやたら動く・・・というのとは正反対の演奏姿だ。鍵盤に指を置いてから弾くということも徹底されているような?この音、コロコロした音・・・

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日頃からの感情練習、表現練習 

 

日々の練習、結構辛いと感じている人は多そうだ。人前でピアノを弾く機会を持っている人は、その場で自分を責める。「ああ、どうして失敗してしまうんだろう?」とか思う。そのような機会を持っていない人でもピアノのレッスンというものは定期的に受けていることが多いので、「また練習できませんでした」とか「ああ、なんで弾けないんだろう?」とか思ったりする。基本的にピアノって自分否定・・・とまではいかなくても、なんとなく「できないところ」を感じてしまう機会は多いそうだ。考えてみればそれも当たり前なのだ。上達していきたいとは誰でも願う。そこには過去よりも前進している自分というものが根底にある。日々の練習って、なかなか「私も素晴らしいところはある」のようには思いにくい状況ではある。

譜読みをして、弾けない箇所を練習して、合格(?)したら、新たな課題や曲をもらう、そしてまた譜読みをして・・・そして心の中でいつも思う「弾けないわ」「なんとかしなくちゃ」みたいな自分・・・

楽しい練習というものはないのだろうか?練習そのものは「ワッ♡ キャッ♡」というものではないにしても、もうちょっと「できない自分」よりも「音楽が好き、それだけは誰にも負けないの」みたいな心情に浸れる練習。

ピアノ弾き、あまりオペラというものを聴かないようだ。これは非常に残念なことのように思う。まぁ、好きでもなければ無理に聴く必要はないのかもしれないし、ピアノ曲だけでも膨大な数があるので、それだけでいいのかもしれないが、でも「私、別に歌うわけじゃないから」というのも寂しい気もする。感情の露出・・・この部分でオペラはピアノ練習にも役立つのではないだろうか?

弾けるように、はずさないように、このような練習だけではなく、つまり音を弾けるようにするという練習だけではなく、感情表出という練習をしてみる。イタリア人のように(?)ドワーッと感情を投げ出す練習。日常生活の中で道に倒れ込んで号泣してしまうような状況って普通の日本人にはあまりないはずだ。でもそのような感情表現が音楽の演奏に、時には求められるとしたら?そのような練習をしてみる。まずはオペラ的表現というか、「マンマ・ミーア!!!」的な感情露出に日頃の練習で慣れておく。本番でだけ「歌いましょう」とか「表現しましょう」と思っても難しい。日頃から練習しておくのだ。

その第一歩としてオペラに親しむ。CDとかDVDとか、ユーチューブでもいいのでは?観劇は高いかもしれないし。

マスカーニのオペラに「カヴァレリア・ルスティカーナ」という有名なオペラがある。このオペラの間奏曲が非常にイタリア~ンな感じなのだ。実際の上演では幕間にオーケストラだけで演奏されるのだが(間奏曲なので)、このカヴァレリアの間奏曲は、ある映画のラストシーンにピッタリと寄り添うのだ。「ゴッドファーザー Ⅲ」という映画。カヴァレリアもゴッドファーザーも舞台はシチリア島。映画では実際にオペラのカヴァレリアが伏線として使用されていたりする。コルレオーネの息子がオペラ歌手としてデビュー。そのオペラ(カヴァレリア)の観劇後にマイケルは暗殺されそうになる。弾丸はマイケルからそれ、最愛の娘に。泣き叫ぶマイケル、周囲の人々、このラストシーンがカヴァレリアの間奏曲にピッタリだし、実際にこの曲が映画でも使用されている。ロケはシチリア島のマッシモ劇場。この劇場は実際にオペラを上演する劇場でもある。

このラストシーンに浸ってみる、オペラ的な音楽の盛り上がりに自分の気持ちを乗せてみる。つまり、「ウワーッ」と盛り上がりながらオペラに浸ってみるのだ。泣き叫ぶとか、両手を天に突き出すとか、あまりしないでしょ?なのであえて、オペラで体験してみる。

このシーン・・・この音楽・・・

余談だが、「ゴッドファーザー」はシチリア島マフィアの物語。マフィアという言葉がオペラからきているという説がある。ヴェルディの「シチリア島の夕べの祈り」というオペラだ。このオペラは実際の史実をもとにしている。1282年、シチリア島で実際に起こったイタリア人の一斉蜂起。このオペラの第1幕のタイトルが Morte Alla Francia Italia Anela(フランス人の死をイタリア人は熱望する)で、それぞれの頭文字をとると、「MAFIA」となる。マフィアはオペラから生まれた・・・なんとなく本当のような気もしてくる。

人々がマッシモ劇場で泣き叫ぶシーン、マイケル・コルレオーネが自宅の庭でコロッと亡くなってしまうシーン、壮絶なる人生に似つかわしくないような死に方なのか、壮絶であったからこそ、あのような死に方をするのか・・・

このシーンにはニーノ・ロータの有名なテーマではなく、マスカーニの「カヴァレリア・ルスティカーナ」が相応しいように思う。聴いて浸ってみる・・・それも練習・・・かもしれない。

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練習のための本番って変かもしれない。 

 

学校の授業には「指導案」というものがある。指導計画があり、その計画を具現化しなければならないのが建前(?)ではある。授業という限られた時間の中で、計画に沿って目標に達していく、その段階を具体化したものが授業の指導案・・・ということになろうか?つまり行き当たりばったりではなく、目標達成のために、やるべきことを各授業単位で計画しなさいということだろうと思う。

ピアノのレッスンで実際に指導案作りをしている先生はいるのだろうか?いるだろうと思う。特に大学で教員養成的なものを学んだ先生は、その分野に強いだろうと思う。レッスン毎にプリントアウトされた指導案が必要かとどうかはともかくとして、目標があり、その具現化という基本の流れはピアノのレッスンでも必要かもしれない。病院などでも「看護計画」とか、あるはずだ。それと同じかな?

僕自身はピアノ教師ではないので、具体的なピアノレッスン指導案みたいなものには興味はないし、語る資格もないと思う。でも達成したい目標、その具体化のための課題、その課題の克服・・・のような段階を踏む、手順を踏む、今やっている練習は、そもそも何をしたいからやっているのか・・・などという日々の練習方法というか、そのようなことは元教員でもあるので、なんとなく感じることはある。

まず、日々のピアノの練習において、自分なりの「達成したい目標」というものが音イメージとしてあるだろうか・・・ということ。指導計画であれば「大目標」となる大きなものになる。この目標が「一応弾けるようにする」ということはないだろうか?それも目標なのだろうが、それは極々小さな「小目標」であり、到達点とすべき「大目標」ではない。ピアノは義務教育ではないので、この「大目標」は自分で作り上げていくものとなるだろう。それは「理想のサウンド」「(無理かもしれないが)具体化したい音世界」ということになるのでは?練習の動機、ピアノを何故弾くのか、その曲をどうして弾きたいと思ったのか・・・などという心の奥底で感じたであろう、根本にあるようなもの・・・

日々の練習、これを本番での演奏という大目標の手段、つまり小目標と考える。ややもすると「弾けるようにする」という小目標スタンスのまま本番・・・という人も多いのではないだろうか?「あそこ、大丈夫かしら?」「○○となってしまったらどうしましょう?」これは日々の小目標の具現化ができるかの心配ではないだろうか?大目標はどこへ???

譜読みの段階から「大目標」を目指す。そもそも「ああ、素敵だな」とか感じたから、その曲を弾きたいと思ったわけで、その大目標の音イメージ、音世界なく、ひたすら小目標の具現化が目標となってしまっては本番で「何故いつも私は・・・」とか「それに比べてあの人は何故?才能?」とか思ってしまう。これって不幸だし、何か違う。そもそも練習は本番を想定して、そこでの目標音世界に向かっていくものでは?本番は練習という小目標の具現化・・・これでは何か逆のような気がする。

一応楽譜(音符)が弾けてから表現を考える・・・これを否定してみたらどうだろう?できるかどうかは別として、具現化したい音世界という大目標が自分の心を動かしたのだったら、それが演奏とか練習というものへの動機となっている、そう考えてみる。もしホロヴィッツの演奏に心動かされ、弾いてみたいということの動機となったのなら、自分の大目標とホロヴィッツは乖離するべきものではないような気がする。「自分なんてまだまだ・・・」実際はそうでも、「ああ、何て素晴らしい」と感じた音世界があるのだったら、それはその人の大目標ではないだろうか?

ピアノと対面する。練習のためにピアノを蓋を開けピアノの前に座る。日々行っていることだ。「あのパッセージ、弾けるようにしなきゃ」「あそこまで譜読みして両手でなんとか通せるようにしなきゃ」・・・小目標だ。でも、いつも「大目標」のための「小目標」という意識は必要だと思う。大目標のなるべき音世界を忘れて音を出している瞬間はないだろうか?その音世界が自分などとはかけ離れた壮大なものであったなら?そこを目指すのは傲慢なのか?いや、素敵なことじゃないか?手が届かないような音世界だからこそ、だからこそピアノを弾いているのでは?

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音霊の鎖 

 

とても素晴らしいピアノ教師がいたとする。ちょっとしたアドバイスで生徒の演奏が変化する。「そこ、なんだか大変そうに弾いているんだけど、そこはこうしたら?」「あっ、弾きやすい!」とか「こうしたらこうなるんじゃない?」「あっ、本当だ!」みたいなレッスン。でも、そのような教師でも、生徒が何も感じていなければ、導いていくのは難しいこともあるのではないか?そもそも「あっ、本当だ!」と生徒が感じるということは、生徒自身の中に理想のサウンドが存在しているということのような気がする。

「こうしてみたら?」「変わったじゃない?」・・・「そうですか?何も感じませんが?」

「この曲、いいわよね?」・・・「別にぃ・・・」

そもそも、そのような人はピアノなど、わざわざ弾くだろうかという疑問が残ってくる。ノウハウによって、かつて生徒が感じた音霊体験が、今度は自分自身の演奏として具現化しやすくなるということはあるだろう。でも感じるということは生徒側の仕事(?)のような気もしてくる。

ピアノ演奏って結構(物凄く!)複雑で難しいものだから、どうしても各々の課題のようなものが目の前に立ちはだかってくる。「よし、課題克服ね」それは大事なことだが、ピアノを弾く究極の目的はそこではないだろうとも思う。聴き手は演奏者の課題克服を聴いて心が動くわけでもないだろう。火のように練習して「あっ、できた!」となっても、音霊というものから授かった自分自身の心の動きのようなものが伝わらなければ、聴いている人は困ってしまうだろうとも思う。「あんなに頑張ったのに・・・」そう演奏者は感じてしまうかもしれない。頑張り、克服は大事だが、人は演奏者の頑張りを聴きたいわけでもない。そこがシンプル、かつ難しいところだ。

クラシック音楽って拡散力というよりも、時代を超えて伝わっていくという特色があるように思う。CDショップの片隅に追いやられ、売り上げなんてJポップとは比較にさえならない。そんなジャンルではあるのかもしれないが、人から人へ時代を超えて伝わっていく。

ある演奏を聴いて、音霊を感じる。鑑賞者として、そこで終結してしまうこともあるし、それが音楽を聴くということなのだろうが、感じたものを自分でも触れてみたくなるという人もいるのだ。なのでピアノを弾いている・・・

音霊は、人から人と伝わって、伝承されていく。ここがクラシック音楽の素晴らしいところだ。鎖のように音霊は時代を超えて連鎖していく。

選ばれたピアニストだけが音霊を感じることができるのだろうか?万人が持っている能力なのではないか?それは学歴、習っている期間、何も関係ないのではないか?感じるかどうか・・・

弾けてから、上達してから・・・ではなく、まず音霊を感じることが先なのかもしれない。だからその曲を練習するわけだから・・・

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