ピアノのある生活、ピアノと歩む人生

「ピアチェーレ」代表の私的ブログ

音霊の鎖 

 

とても素晴らしいピアノ教師がいたとする。ちょっとしたアドバイスで生徒の演奏が変化する。「そこ、なんだか大変そうに弾いているんだけど、そこはこうしたら?」「あっ、弾きやすい!」とか「こうしたらこうなるんじゃない?」「あっ、本当だ!」みたいなレッスン。でも、そのような教師でも、生徒が何も感じていなければ、導いていくのは難しいこともあるのではないか?そもそも「あっ、本当だ!」と生徒が感じるということは、生徒自身の中に理想のサウンドが存在しているということのような気がする。

「こうしてみたら?」「変わったじゃない?」・・・「そうですか?何も感じませんが?」

「この曲、いいわよね?」・・・「別にぃ・・・」

そもそも、そのような人はピアノなど、わざわざ弾くだろうかという疑問が残ってくる。ノウハウによって、かつて生徒が感じた音霊体験が、今度は自分自身の演奏として具現化しやすくなるということはあるだろう。でも感じるということは生徒側の仕事(?)のような気もしてくる。

ピアノ演奏って結構(物凄く!)複雑で難しいものだから、どうしても各々の課題のようなものが目の前に立ちはだかってくる。「よし、課題克服ね」それは大事なことだが、ピアノを弾く究極の目的はそこではないだろうとも思う。聴き手は演奏者の課題克服を聴いて心が動くわけでもないだろう。火のように練習して「あっ、できた!」となっても、音霊というものから授かった自分自身の心の動きのようなものが伝わらなければ、聴いている人は困ってしまうだろうとも思う。「あんなに頑張ったのに・・・」そう演奏者は感じてしまうかもしれない。頑張り、克服は大事だが、人は演奏者の頑張りを聴きたいわけでもない。そこがシンプル、かつ難しいところだ。

クラシック音楽って拡散力というよりも、時代を超えて伝わっていくという特色があるように思う。CDショップの片隅に追いやられ、売り上げなんてJポップとは比較にさえならない。そんなジャンルではあるのかもしれないが、人から人へ時代を超えて伝わっていく。

ある演奏を聴いて、音霊を感じる。鑑賞者として、そこで終結してしまうこともあるし、それが音楽を聴くということなのだろうが、感じたものを自分でも触れてみたくなるという人もいるのだ。なのでピアノを弾いている・・・

音霊は、人から人と伝わって、伝承されていく。ここがクラシック音楽の素晴らしいところだ。鎖のように音霊は時代を超えて連鎖していく。

選ばれたピアニストだけが音霊を感じることができるのだろうか?万人が持っている能力なのではないか?それは学歴、習っている期間、何も関係ないのではないか?感じるかどうか・・・

弾けてから、上達してから・・・ではなく、まず音霊を感じることが先なのかもしれない。だからその曲を練習するわけだから・・・

kaz




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音霊 

 

「どうせ私なんか・・・」こう思って生活していると、神様(いるのか?)は、「ああ、この人は、どうせ・・・と思って生きるのが好きなんだな」と判断し、そのような状況をさらに与えてくれるのだそうだ。思うだけではなく、それを言葉にして書いたり言ったりすると、さらに強いエネルギーとして、その人を支配してしまうらしい。言霊・・・

音が入ってくる瞬間がある。生活していて、他の人たちは素通りしてしまっているけれど、自分には入ってくる瞬間。音霊が入ってくる瞬間。「ああ、なんていい曲なんだろう」とか「素敵な演奏・・・」と心が立ち止まる瞬間。

ピアノを弾いている、或いは、ピアノでその曲を弾こうと思った動機のようなもの、、それに直結するようなものだ。音霊が入ってきたのだ。音の高低の連なり、音の重なりの変化・・・そのような音霊が心を立ち止まらせたのだ。

「ああ・・・」というこの瞬間を大事にしたい。ピアノ歴などは、人それぞれ。大人になって始めた人だっているし、専門機関を卒業した人だっているだろう。厳しい訓練というものを重ねてきた人だっているだろう。でも音霊は各自のピアノ歴、音楽歴に関係なく入ってくる。気づくか、気づかないか・・・

ピアノの練習って、非常に日常性のあるものだから、ついつい、なんとなく練習してしまう。音符を音にしていく、弾けない・・・という箇所を弾けるようにしていく。その繰り返しになってしまう。そこに音霊という考えを入れてみる。心に音霊が止まる、感じるということは学歴などには関係ないことなのだ。「なぜ私はこの曲を弾きたいと思ったのだろう?」

「次の練習会、この曲なんかいいかもね・・・」以上の動機が必ずあるはずなのだ。心を奪われた箇所、音霊が入ってきた箇所があるはずなのだ。

一応弾けるようになってから・・・ではなく、曲に入る瞬間から必要なこと、自分が魅せられたという瞬間を、片手でゆっくりでいいから、再現してみるのだ。間違えてもいいのだ。自分で「ああ・・・これこれ、これなのよ」という音霊を再現してみる。譜読みの瞬間から・・・

印刷された音符を、ただアウトプットしようとするのではなく、心にインプットされた瞬間、その箇所を逃さない、「ああ・・・この曲・・・」とインプットされた音の魂、もしかしたら、○○音大卒業、○○音楽院留学、○○コンクール入賞、CDも〇枚発売中・・・という人よりも、あなたは音霊を感じたのかもしれない。弾けるようになってから・・・ではなく、音の魂を感じたというところを忘れないことが弾けるということになっていくのかもしれない。

あなたが音に立ち止まった瞬間・・・

kaz




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昭和ピアノからの脱却 

 

現在50歳前後のピアノ再開者、かつての高度経済成長期のピアノ教室を体験した人・・・ということになる。いわゆる「昭和ピアノ」というものに、どっぷりと浸かった世代でもある。生徒はウジャウジャといたような?発表会も長時間、盛大だったような?電子オルガン全盛の時代でもあったかな。

昭和ピアノの反省というものは現在のピアノ教育で欠かせないもの(?)になっているのではないだろうか?セミナーというものの主流は教材研究だったりする。かつてはバイエルといくつかの教材しかなく、終了すれば、また次の教材の選択肢も少なかった。そして出来上がったバイエル→ブルグミュラー→ソナチネ→ソナタという構図。そこにチェルニーやハノンが加わる。

選択肢が多いのはいいことだ。

もう一つの反省が、奏法。「ハイフィンガー奏法はやめましょう」というもの。脱力ブームはここに起点があるような気もする。たしかに「やめましょう」ということなのだろうが、個人的には順序が違うのかなという気もする。まずは音でしょ・・・と。基音を強調した鍵盤の底までガツンというような、明朗、しっかりとした音ではなく、もっと響くような・・・みたいな音、サウンドのイメージを育むのが先ではないかと。そのための奏法なわけだから。「A(ハイフィンガー奏法)はいけないんだって。じゃあBにしましょうよ?」的なものをピアノ教育界に感じてしまったりもする。

でも奏法は大切だよね。色々トライしてみるのはいいことだ。

最近、教材、奏法というものの他に、もう一つのものがあるような気がしている。それは読譜というもの。音符(楽譜ではない)を読むということは、100年前だろうと、今だろうと、あまり変わらないものなのではないかと思う。まずは中央のドを認識し、数えるということ。五線の中に書いてある丸を認識すること。ドレなら読めるけれど、ドソになると混乱する・・・では困るのだ。この部分は昭和だろうと平成だろうと変わらない部分なのでは?

曲を弾けるようにしていく段階において、最初は表情をつけないで、音を弾けるようにしていき、つっかえずに弾けるようになってから表現を考える・・・このような手順で曲を仕上げていく人は今でも多いようだ。これって昭和ピアノのやりかたなのでは?表情や感情は後付け・・・みたいな?

音符は読めるけれど、楽譜は読まない人もいる感じだ。かつて子ども時代、そうして教材を進めてきた昭和の名残りなのかな?一応弾けるようになってから色々とやってみる・・・みたいな?

音符という一つの単位がまとまり、楽譜となったのだったら、楽譜は語りかけてくるという認識を持つ。音符を読むという昭和チックな習慣を、楽譜という単位で感じていく平成的なものにする。子どもも大人も・・・

ドレよりもドソという広がりのある音つながりは、よりエネルギーが大きい・・・みたいな?「ド」と「ソ」でしょ・・・ではなく。

バイエル最初のドレドレド・・・簡単に弾けてしまうようだが、これってモーツァルトとかハイドンとか、バッハとか、彼らのメロディーの一部というか、切れ端みたいなものでは?最後のドはどのように収めるのか?具体的なタッチは、奏法は?この段階で表現はあるのでは?

「キラキラ星」・・・ドドソソララソ ファファミミレレド・・・この段階で、もう音楽表現ということなのでは?上がって下がって、最初のドドからソという広がり、最高音のラからどうやって下がるのか、連続音、ドドとかファファはどのように弾くのか・・・

音というか、オタマジャクシ認識だけで弾かないという平成モードが今はまだ欠けているような?

一応音符、オタマジャクシができてから表現する・・・これっておかしい。楽譜を読む=表現なのでは?

このあたり、ピアノの場合、それっぽく曲や教材が進んでしまうのでピアノは難しい。ある程度の曲は弾ける、音符は並べられるけれど、なんだかな・・・という場合、それは音楽性とか才能ということではなく、楽譜を読んでいない、そのような習慣を身につけていないからということもあるのでは?

声楽の人、羨ましいと思う。最も幼児がイタリア歌曲・・・ということはないだろうし、初歩でも声楽の場合は、高校生ぐらいにはなっているだろうから、ピアノとはそもそも比較にならないのかもしれないが、でもそうだろうか?楽譜を読む、表現につなげるということは、変わらないのでは?

「アマリリ麗し」という曲、声楽レッスンでは、まず発声練習の教材(コンコーネとか)と共に学ぶものではないかと思う。音のつながり、跳躍音程と順次進行とのエネルギーの違い、上向き音型と下降、ハーモニーが異なったら、今まで短調だったのものが、いきなり長調になったら、具体的にメロディーをどう処理していくのか、初歩でもこのあたりを意識しないと、イタリア語の知識とか声そのものがどうこうといったこととは別に、まず曲にならない・・・のでは?

そのあたりピアノはどうなのだろう?そのまま次の曲に進んでしまうこともあるのでは?一応オタマジャクシが並べば・・・

一応弾けるようになってから・・・をやめてみればどうなるだろう?

kaz




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練習は直すことではない 

 

できていないところを、できるように練習する。当たり前のことのように思えるけれど、そして難しいパッセージを練習するという行為そのものは同じだとも思うけれど、でも、練習には否定的練習と肯定的練習とがあると思う。

「私は大人になってピアノを始めたから、指が動かない、だから練習する」「いつも本番でミスをする、だからそうならないために練習する」練習そのものは悪いことではないけれど、練習の動機が「ダメダメな自分を直す」みたいな否定的なところから発しているような気がする。ダメダメな自分を・・・という発想だと、いつまでも否定要素を抱えていることにもならないだろうか?本番では決まって何かが起こる。「またダメだった!私は人前で弾く、舞台で弾く資格なんて、ないんだわ」のような方向になってしまう。

ダメな自分を否定、そして直すことが練習なのだろうか?

曲の神髄、つまり「私はこの曲のここに惚れた」という部分、要素を人と共有したいから練習するという考え方はいけないのだろうか?直すというよりは、伝えるための練習。演奏のための練習。ダメな自分を直すのではなく・・・

失敗したくないとか、それは当然の心理だと思うけれど、演奏って、音楽って創造行為みたいなところもあるのでは?「~しないように」という発想とは、あまり結びつかないような気はする。

ネマニャ・ラドゥロヴィチというヴァイオリニスト、僕はこのような演奏をする人が大好きだ。練習そのものは、どのように感じようが、そこには辛いものがあるとは思うけれど、でもこの人は「直さなきゃ」的な練習はしていないんじゃないかな?

表現したいから、伝えたいから、でもそれにはまだ至らないところがある、だから練習する、演奏のために練習する、この考え方は自分を直すという考えよりも素敵なことに思える。

kaz




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電子ピアノは、ただの電化製品なのか? 

 

「えっ、電子ピアノで練習しているんですか?」たまに言われる。個人的には電子ピアノでも練習は可能だと思っている。それも「ただ弾いてみました」ではなく、それ以上のことを追及することも可能だと思っている。電子ピアノの機種、ランクにもよるだろう。卓上キーボードでは辛いだろうなと思うし、その楽器で弾き続けるのは厳しいとは思う。でも「電子ピアノだとダメ」ということもないと思う。

日頃グランドピアノで練習している人の方が、電子ピアノで練習している人よりも、常に音楽的に演奏する・・・なんていうことはないだろう。アコースティックのピアノ対電子ピアノ・・・みたいに、あまりに語られてしまうと、ある本質みたいなものが見えてこなくなる可能性もある。ここが怖いと思う。少し狭く、固く考えすぎというか。

たしかに電子ピアノとホールのグランドピアノでは異なるところは多いだろう。でもグランドピアノ同士の個体差というものも、実はかなりあるのではないだろうか?スタインウェイのグランドピアノが自宅にある、それは最高だろうが、でも8畳間に防音・・・みたいな環境では、本番のピアノとの差は、やはりあるだろう。ピアノの個体差もだし、空間も異なる。

自宅にホールを作ってしまえばいいのだろう。天井まで7メートルあります・・・のような?そこにグランドピアノを設置し、人前演奏はすべて自宅で行えばいいのだ。そうすれば楽器の個体差、環境の違い・・・のようなものは解消されるだろう。でもそんな人、まずはいないよね。

「やはりグランドピアノでないと・・・」「電子ピアノでは限界がありますよ」「電子ピアノだとダメなんですか?」そう言い合っているよりも、もっと柔軟に、違うことにも目を向けてみてもいいのではないか?

「練習の時と同じように本番でも弾けるようにするため、何回も練習する」この「同じように」という考え、いつでも、本番でも崩壊しないようにという考え。そうではなく、本番では想定外のことが確実に起こるのだと想定し、「いつでも同じ」ではなく「同じではなくなった時にどうするか」的な臨機応変さ、柔らかさを日頃の練習で行う方が、電子ピアノ論議をするよりもいいのではないか?

「できないから」ではなく「できること」を考えるというか?固くならないようにというか?柔軟にというか?

音出し厳禁というマンションは多い。夜にしかピアノを弾けないという人も多い。僕のように早朝に弾く事が多いという人もいるだろう。出勤前、5時から・・・とか。「電子ピアノだと~だから」ではなく、できることを考えてみてもいいのではないか?柔軟に・・・

日頃グランドピアノで練習している人は、例えばこの動画の人よりも、常に音楽的に弾けるのだろうか?

電子ピアノって、ある意味「裁かれる」ことが多くて、気の毒に感じる。

kaz




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