ピアノのある生活、ピアノと歩む人生

「ピアチェーレ」代表の私的ブログ

ブラジルのショパン 

 

幼かった頃の僕は、世の中の人は皆ピアノを弾くものだと思っていた。世の中の人は自然に鍵盤に向かい、即興的に何かが弾けるものだと。ピアノのレッスンを受ける、ピアノを習うということは、その即興演奏のようなものを伸ばしていくものだと。でも実際は違っていたわけだ。楽譜を読むということに慣れなかった。「どうして出来上がった曲として退屈らしきものをチマチマと練習していかなければならないのだろう?」

「もうちょっと練習してきてね?本当にお願い・・・」そう言われてもレッスン課題(バイエルですね)を練習することはなく、即興演奏で遊んでばかりいた。読譜ができないと、家で何を練習すればいいのか分からない。なので、練習はレッスンで先生と一緒にするものとなっていた。それはそれで先生も感情的になるし、苦痛だったから、練習すればよかったのかもしれないが、何をしていいか分からなかった。その曲を「弾きたい」という欲求そのものが皆無でもあった。導入指導のコツ、それは読譜能力を養うことではないかと思う。練習しない子どもって、「しない」ではなく「できない」「何をすればいいのか分からない」という可能性がある。

「ああ、弾いてみたい」というようになったのは、やはり医大生に音楽や偉大な演奏を紹介してもらってから。火のような欲望というのだろうか?まず最初に弾いてみたのは、いわゆる発表会御用達のような曲。当時、神西敦子という大変に折り目正しい演奏をするピアニストのレコードを所有していた。そのレコードには収録されていた曲の縮小版全音ピアノピースが付録(?)としてついていたのだ。ワイマンの「銀波」とかランゲの「花の歌」とか、そのような曲を弾いてみた。自然と読譜もできるようになっていったと思う。

「一応弾けた!!!」何という喜びだっただろう。その成果をレッスンで披露することはなかった。「弾けるわけないじゃない!」と拒絶されてしまったので。今思えば、レッスンではバイエルを片手でも弾けなかったわけだから、無理もないと思う。「一応弾けた」という喜びもつかの間、模範演奏のレコードの演奏と、自分のそれとは、何か大きなものが異なっているように感じた。「ピアニストの演奏なんだから当たり前じゃない?」と思えばそうだが、自分の演奏はバシャンバシャンしていて、ただ弾いているような気がして、それがイヤだったのだ。

最近ユーチューブで中村紘子のレッスンを見て感慨深かったことがある。彼女の指摘、「バタバタしない」「指先に音を集めて」「同じフレーズ内の響きとして散漫なものにしないために同じ動きの中で」「入れて抜く」・・・このようなことは、自己流ながら、当時自分で研究していたところがあるからだ。音が散ってしまう、歌い方に抑揚がないというのが自分の欠点で、自分なりになんとかしようと思ったのだ。

医大生の紹介してくれる演奏、何らかの影響はあったのだと思うが、それはそれとして具体的に自分のピアノというものと結びつけることは、それまでしなかった。あまりの感動でボーッとしていたというか?神西敦子の演奏は、清潔で折り目正しかったけれど、なんというか劇的印象を僕に与えるというものではなかったし、中村紘子のレコードから受ける印象は、音そのものは冴えていたけれど、曲によってはあまりにピアニスティックなところに多少の違和感を感じたりしていた。「アルプスの夕映え」とか、あまりに冴え冴えと演奏されていたから。そのような印象は、ショパンの作品の演奏からも感じたりはしていた。

そんな時、なんとなく購入したレコードが、ブラジルのピアニスト、アルトゥール・モレイラ=リマのショパン名曲集。「まあ、なんと渋い趣味なの!」という感じだが、そのレコードは日本で録音されたもので、来日公演の際に録音されたものではなかったか?今では知る人ぞ知るという感じのピアニストなのかもしれないが、1970年代当時は、今よりは日本でも有名だったのではなかったか?ショパン・コンクールで第2位となっている。アルゲリッチが優勝した時の2位。そのような意味では、モレイラ=リマのショパンは、それほど奇抜な選曲ということでもなかったのだろう。

「幻想即興曲」・・・弾いてみたいと思ったのだ。そう当時の僕に感じさせる魅力がモレイラ=リマの演奏には備わっていた。キラキラした音、どうすればいいのだろう?散らずに散漫な音にならないためには?カンティレーナの部分、どうしてこのように歌えるのだろう?ブレスの際に力を肘ではなく、手首から抜いてみたら?・・・とか、当時は未熟なりに、色々と工夫してみたものだ。「モレイラ=リマさんのように弾いてみたい!!!」

「一応弾けた!!!」むろん、モレイラ=リマの演奏とは雲泥の差だっただろうが。自分の中でも先生に認められたいという気持ちはあったのだろうと思う。「自分で弾いてみたんです!」「ショパンなんて弾けるはずないじゃない?」そして僕のブログ愛読者(いるのか?)には有名な、例の楽譜ビリビリ事件。そう、先生に楽譜を破られてしまったのだ。

どうも、ピアノ教師という人たちに、今でも何らかのマイナス感情が僕にあるとしたら、この時の自分の体験は関係しているかもしれない。それよりも、あの時の火のような欲求、欲望と表現した方が近いような気がするが、「なんとなくただ弾くのではなく、モレイラ=リマさんのように弾いてみたい」という欲求に、自分なりに忠実になり、独自の工夫をしてみた、小学生だった僕を自画自賛してみたくなる気持ちの方が強いだろうか?「自分でやってみた・・・」これが30年後、ピアノを再開した時に、そして今でも役立っているように思えるからだ。

平凡な人間の日常生活というもの、そこから遥か遠いところにあるような、素晴らしいもの、演奏、音楽・・・芥子粒のような存在である自分だけれど、触れるかもしれない、一瞬でもその中に身を置くことができるかもしれない、この胸の震えるような欲求、それが現在、ピアノを弾いている動機となっているような気がする。小学生の時からその部分では変わっていないのだ。

その曲が弾けるようになりたい・・・それよりは、何かに自分でも触れてみたいと思う。だから弾いている。

kaz




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ボヘミアの風、新世界の風 

 

医大生から多くの曲や演奏を紹介してもらうと共に、自分が所有しているレコードは聴かなくなってしまった。無理もないのだ。両親が買ってくれた、「名曲シリーズ」のようなレコードとか、僕が買うにしても当時駅前にあったレコード店で買ったレコードしかなかったから。選択というものがなかったのだ。店の隅にあったささやかなクラシックの棚にあるレコードが僕にとっての音楽の世界だったから。

でも偶然・・・ということもある。多くのレコードは聴かなくなってしまったが、その中で愛聴盤の地位を保っていたレコードがあった。ドヴォルザークの「新世界より」のレコード。偉大の演奏を紹介してもらった後でも、僕の愛聴盤は依然輝いていた。カレル・アンチェル指揮、チェコ・フィルハーモニー管弦楽団の演奏だった。

このレコードだけは僕が医大生に逆紹介(?)したレコードだ。「新世界より」というシンフォニーそのものは、彼にとって新しい発見ではなかったに違いないが、彼はこう言った。「チェコ・フィル?また随分と渋いというか?ああ、アンチェルの演奏は初めて聴いた。ノイマンよりずっと熱っぽいね。ボヘミアの風みたいだ」・・・

「新世界」なのだから、アメリカの風では・・・などと生意気にも思ったが、サウンドとしてはボヘミアのそれだったのかもしれない。「プラハって行ってみたい街なんだ」そう言って静かに目を閉じ、アンチェル盤「新世界」を聴き入っていた。

そして、医大生は、ある弦楽四重奏曲を聴かせてくれた。ドヴォルザークの「アメリカ」僕にとっては初めての室内楽体験だった。「ボヘミア四重奏団の古い録音なんだけどね・・・」そう言って再度目を閉じて聴き入った。

ドヴォルザークのメロディーって、果てしなく切なくなる。彼が言うとおり、古い録音で、ノイズの彼方から弦の調べが聴こえる・・・という演奏だったが、やるせなさ、儚さは僕にも伝わってきた。

ボヘミア四重奏団、後にチェコ四重奏団と改名しているし、メンバーも時期によって入れ替わったりしているが、古い録音ということを気にせず、音楽を聴けば、それはそれは素晴らしい演奏なのではないだろうか?

この動画、「アメリカ」の第2楽章だが、このような曲が存在しているということ自体に切なさを感じる。写真、一番左の人がカレル・ホフマン。この人はリーダー的存在で、他のメンバーは入れ替わっても、ずっと演奏していた人。左から二番目の人、名前がないが、チェロのヘネシュ・ヴィハーンだと思う。この人がいなければ、ドヴォルザークのチェロ協奏曲は誕生しなかったのではないか?そのチェロ協奏曲を献呈された人でもある。右から二番目の人、これまた名前がないが、ヴィオラのオスカル・ネドバル。この人については別に述べたい。一番右の人がヨゼフ・スーク。最近亡くなったチェコのヴァイオリニストで同名の人がいるが、その人の祖父になる。ドヴォルザークの娘婿でもある。今ひとつ知名度が低いが、ヨゼフ・スークには素晴らしいピアノ曲がいくつかある。いつか、どこかで自分も弾いてみたいと思ったりする。チェコのモラヴェッツとか、生前スークの曲を愛奏していたように思う。

「辛いのかい?じゃあ、僕の音楽で泣けばいいじゃないか?君一人じゃないんだから・・・」僕にとって、この演奏はそんな感じかな?

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レッスンって導くこと? 

 

シフラの「ハンガリー狂詩曲」からゾルタン・マガの「チャールダーシュ」まで、かつて医大生が曲を紹介してくれた方法で僕も紹介してみた。その演奏、曲を特徴づけている要素を探って、関連させていく、あるいは演奏者や作曲者の周辺まで広げていく聴き方。率直に言って、とても楽しかった。僕には、かつての小学生時代の僕のような少年など周囲にはいないので、実際には導き役にはなり得ないがブログがその欲求を満たしているようなところはある。どこかで僕の選んだ曲や演奏を聴いて「あっ・・・」と感じてくれる人がいるかもしれない、それは何と素晴らしい想像だろうと。

月の輝く夜以降、曲紹介という聴かせ方から、演奏を際立たせている要素を探る聴かせ方に変わっていった。曲としては、僕も知っているような有名な曲を、演奏の違いによってどうなるか・・・という観点で医大生はレコードを選択することが多くなっていったように思う。

この曲は僕も知っていた。「おさらい会御用達」みたいなレコードに収録されていたから。僕の持っていたレコードの演奏も悪いものではなかったように思う。純粋に「素敵な曲なんだな」と思ったから。でも医大生がかけてくれたこの演奏は何かが違っていた。すべてが違っていた。

この演奏を僕に聴かせた後、「ローゼンタール、聴こうか?」そして「コルトーの演奏で聴いてみようよ」何度もレコードの針を戻しながら「今の部分、ここなんだよ!!!」と・・・

自分が演奏する際、一応自分なりのスキルのようなものはある。言葉ではとても説明できるようなことではないし、僕はピアノ教師ではないので、伝える方法を考える必要性さえ感じない。かなり大雑把、かつ主観的な説明をしてみると、ピアノは「弾く」ではなく「狙う」みたいな感覚?伴奏とメロディー、これまた単純すぎる言い方だが、響きと、その響きの中からクリスタルな感じで浮かんでくるメロディー・・・みたいな?この部分は、自分がこれで・・・というよりも、かなり大胆にしてみて調度よろしいかと。アゴーギク要素は、抑揚のツボ・・・みたいなものはあるように思う。波みたいな感じ?パッセージを百回機械的に練習するよりは、イタリア映画を音的鑑賞してみた方がアゴーギク訓練にはなるかも・・・とかは思ったりする。

聴き手としては、演奏者との間に距離をまず置く。そして期待するのだ。「何かしらで惹きつけてくれるだろうか」と。「あっ・・・」と何かしらで感じさせてくれるだろうかと。これを期待する。これがないと、ノーミスで破綻なく、一応の表現らしきものがあっても聴き手としては退屈してしまう。演奏する際は、自分でも聴き手になってみる。シンプルなこと。「自分の演奏、聴き手の立場としてはどうよ?」という観点というか?

上手く言語化はできないのだが、この一応のスキルらしきものは、医大生の聴かせてくれた音楽や演奏によって導かれたものと僕は思っている。

生活の中にピアノというものを組み込むのは大変なことだ。それでも弾く。弾かずにはいられないから。僕は思う。やはり、導き役は自分が習っているピアノの先生がベストなのではないかと。いい先生に習う・・・意外と難しいことなのか?それとも意外とシンプルなものなのか?いい先生の基準、それは学歴ではないように思う。先生自身が追っているかだと思う。焦がれて苦しいまでの想い。一緒に探して、追っていける先生がいいと僕は思う。そのような先生は自分でもピアノを弾いている。焦がれて苦しんでいる。

kaz




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月の輝く夜 

 

今でも満月だったりすると、医大生と聴いた、この曲が頭の中で流れたりする。あの時の月夜の日から、彼の僕に対しての、音楽の聴かせ方が変わったのだと思う。

オペラの全曲盤を、身振り手振りで、あるいは彼なりの絶妙な解説を加えながら聴くのは楽しかった。オペラだけではなく、それまでの彼は、子どもだった僕に、音楽を「紹介する」という聴かせ方だったように思う。

「真珠取りは全部聴く必要のないオペラだから、ゲッダのアリアだけを聴いてみよう。震えるような旋律でね・・・」

10歳だった僕に、ゲッダの歌うナディールのロマンスは強烈だった。ここまで汗とか労力というもの、一生懸命さを感じない演奏ってあるだろうか?ハイCをここまで柔らかく表現するテノールが今現在いるだろうか?

レコードを聴かせてもらううち、小学生にしては夜遅くなる時間になることも多かった。そんな時は医大生が家まで送ってくれたりした。

「音楽って悲しくて切ないんだね」僕の言葉に彼は少し驚いたようだった。「そうだね・・・そうなんだよ」月の輝く夜、そんな会話をしながら二人で歩いた。

それから彼の聴かせ方が変わった。レコードを途中で止めて、「今のところ、もう一度聴いてみるけど、ここが凄いんだ。、Kaz君も感じるだろ、そう、ここだよ、こういう個所をこのように歌うということで演奏と曲を素晴らしいものにしている・・・」「Kaz君が、ここって感じたら僕に教えてくれよ。君なら感じると思う」「そう、そこだよね、もう一度戻して聴いてみるよ・・・」

素晴らしい演奏が、素晴らしい演奏として聴き手に伝わってくる、ある要素、それはマニュアル、ノウハウの如くに規則性があるように僕には思えた。新しい音楽の聴き方だった。漠然と「いい曲ね」「上手ね」と聴くのではなく、そう感じさせるものを解いていくような聴き方・・・

今思えば、この時の体験が僕にとっての「ピアノレッスン」「ピアノのお稽古」になったような気がする。むろん、「これはピアノの先生の役割なのでは?」とは当時でも思ったものだ。「何故ピアノの先生はこういうことを言ってくれないんだろう?」と。でもそんなものなのかもしれない。今、多くの音大のレッスン室で、何故「美」というものを「美」と感じさせるのだろう・・・というものを具体的に追っているようなレッスンが行われているのだろうか?いないだろう・・・と思ったりする。

切なさの理由を僕は知りたかった。切なさに浸りながら人生を生きてきた。ピアノを再開してからは、切なさを追うようになった。

月の輝く夜に感じた切なさを・・・

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チャールダーシュ 

 

前に紹介したゾルタン・マガ、ヴェツェイの「悲しきワルツ」を演奏していた人、彼について調べてみたけれど、あまり詳しいことは分からない。ハンガリーでは当然人気があるとして、ウィーンでも人気があるみたいだ。

そもそも、ウィーンの人って「ハンガリー的」なるものが好きなのでは?オペレッタとか、かなりハンガリーへの憧れがあるような気がする。ウィーンからハンガリーのブダペストまでは列車で3時間ほど。平和な風景を観つつ、国境なども分からないまま、列車はブダペストに到着する。この到着時の印象は、非常にドラマティックな感じだ。「ああ、東欧・・・」というか「ああ、元社会主義の国なんだ・・・」みたいな?たった3時間でこの劇的な変化。ウィーンは西欧なんだね。でもブダペストは東欧。この劇的変化はヨーロッパそのものという感じだ。

ゾルタン・マガ、きっと演奏したらハマっているんだろうなと検索した曲がモンティの「チャールダーシュ」という曲。非常に有名な曲なので、誰でも知っている曲と言ってもいいだろうと思うが、いかにも「ハンガリー的」という感じがする曲ではある。

ずっと僕は、この曲はハンガリーの曲だと思っていたのだが、それを知ったイタリア人のルカに怒られて(!)しまったことがある。「何を言っているんだ?この曲はイタリアの曲じゃないか!」と。たしかに作曲者はヴィット―リオ・モンティ・・・イタリア人だよね。「イタリア・・・というより、彼は生粋のナポリ人だよ」

イタリアという国、紛争のあったコソボと意外と近い。僕など「コソボって?」という知識しかないが、こんなことがあった。ルカと食事をしていて、彼がレストランで働いている女性(少女)のことをこう言ったのだ。「彼女、イタリア人ではないね。難民なんじゃないかな?」

年齢的にも少女・・・という感じだったし、それにしては、実家の手伝いを子どもがしているというようでもなかった。

「国はどこなの?」「コソボ・・・」「一人で働いているの?」「そう・・・」「お父さんやお母さんは?」「死んだの・・・」「ナポリに親戚とかいるの?」「ううん、いない・・・みんな殺されたの・・・」

その会話、いかにも悲劇的というふうでもなく、日常的な出来事として淡々と話されていた。ヨーロッパの人々は、このようなことを経験してきた民族の共同体なのではないかと・・・

ゾルタン・マガの「チャールダーシュ」、このような演奏を聴くと、「絶対にこれだけは捨てない」というような、何かとても強烈なものを感じる。イタリアの曲なのかもしれないし、やはりハンガリーの曲なのかもしれない。

壮絶な歴史を重ね、未来に紡いでいくヨーロッパ民族の曲・・・ではあると思う。

kaz




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