ピアノのある生活、ピアノと歩む人生

「ピアチェーレ」代表の私的ブログ

ケヒンデ・ワイリーの肖像画 

 

クラシック演奏家、アフリカ系アメリカ人が少ないという文章を読んだことがある。僕は「そうかな?」と思った。それは僕が声楽が好きということもそう思った理由の一つかもしれない。特に女性(女声)のアフリカ系アメリカ人の活躍は目覚ましいものがある。彼女たちの評価においても、そこにはアフリカ系だからといった特別なものはない。例えば、ジェシー・ノーマンはアフリカ系アメリカ人にも関わらずドイツ歌曲も上手い・・・とか、レオンタイン・プライスはアフリカ系アメリカ人とは思えないほどヴェルディを見事に歌いこなし・・・などといった評価は見たことはない。

ピアニストだとアンドレ・ワッツだろうか?彼の血の半分はアフリカ系ではなくハンガリーなので、だからリストを得意としているのだ・・・などという評価も聞かない。

欧米のオーケストラにアジア系の団員がいても、それは風景として何の違和感も感じなく見て(聴いて)しまうと思うが、たしかにアフリカ系の団員がいたら、少なくとも目立つような気はする。さらに、国際コンクールのコンテスタントにもアフリカ系の人はあまりいないように思う。先のショパン・コンクール、アジア勢は沢山いたけれど、アフリカ系はどうだっただろう?

日本という島国に住んで、周囲は日本人ばかりという環境にいると、日本人ということはマジョリティになる。でも欧米感覚だと、日本人ということは、ある意味マイノリティに変わることだってあるかもしれない。日本人、韓国人などという感覚もなく、大雑把に「東洋人」としか捉えない保守欧米人もあちらには沢山いそうだ。僕たち日本人はマジョリティ?それともマイノリティ?

人間って、ことさら差別とか偏見と意識しなくても、自分の常の世界に存在しないものを「異質」と捉えるところはないだろうか?

東京で「ボストン美術館至宝展」という展覧会があった。人気のある展覧会で激混みだったような気もするが、現代アートの部にケヒンデ・ワイリーの描いた肖像画が展示されていた。僕はアフリカ系ということへの、強い誇りのようなものを感じたけれど、たしかにアフリカ系の人物肖像画というものは日本人には常ではなく、一般的ではないのかもしれない。あまりに常感覚と異質のもの、自分の感覚にはないものが、いきなり入ると、そこに違和感のようなものも感じることもあるのかもしれない。ワイリーの肖像画への反応として、割と若い女性二人だったのだが、「やだぁ・・・これ・・・えっ?やだぁ・・・」という反応があった。これは偏見?偏狭ではあるのかもしれないが・・・

合衆国大統領の肖像画というものがあるのだそうだ。公式の肖像画として、一枚はホワイトハウス、もう一枚は国立肖像画美術館(そんなものがあるのか?)に飾られるのだそうだ。前オバマ大統領は、自分の公式肖像画をケヒンデ・ワイリーに依頼したということで、アメリカでは話題になっているらしい。もちろん、アフリカ系アメリカ人ということもだろうが、彼はゲイでもあるので、元大統領がマイノリティに属するアーティストに依頼したということで話題になったのだろう。あとは、現大統領はこんなことしないだろうな・・・というニュアンスもそこには含まれているような気もする。

これがケヒンデ・ワイリーの作品、あなたはどう感じるだろう?

kaz




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ゴールデンピアノ時代 5 

 

1937年、旧メトロポリタン歌劇場でのヨゼフ・ホフマンのゴールデンジュビリー・コンサート、これはホフマン個人の貴重な演奏の記録であると共に、いわゆるピアノ黄金時代の記録でもあるように感じる。

ピアノという楽器の進化、完成、サロンから巨大な演奏会場への以降、会場の隅々にまで響き渡る必要性、さらに繊細さも伝えられる機敏な楽器の必要性。ピアノ技法にもそのようなものが求められ、叩きつけない豊かな響きを巨匠たちは具現化した。均一化された模範演奏ではなく、聴衆は各々の演奏家の至芸に酔った・・・

おそらく、その頃には「自分自身に酔った」凡庸な演奏家もいたのだろう。作品から離れ、自分に酔う。当たり前だが、そしてどの時代においても凡庸な演奏家はいるのだ。1937年当時、全員がホフマンではなかった。

必要以上に飾られた凡庸演奏を聴くうち、聴衆は作品そのものの美を欲したのではないか?「もっと純粋に作品を感じたい」と。それが現代のザハリヒな方向へ演奏というものを導いた。現代、やはり凡庸な演奏家はいるのだ。今度は必要以上に整えられたというか、研究成果のような、どこか均一お手本演奏を聴くうち、現代の聴衆はこう思い始めている人もいるのではないか?「このような曲なんですという説明的な演奏はもういい。演奏家のパッションを感じたい。その人からしか感じられないような、強烈な何かを聴きたい。優秀だけれど、その人だけではなく、おそらくBさんからも聴けるような演奏ではなく、その人だけの何かを聴きたい」

これからは、1937年当時とは逆の流れになっていくのかもしれない。もしかしたら、演奏スタイルというものは凡庸な才能と聴衆が作り上げていくのかもしれない。多分にシニカルな感じ方ではあるが。

有名なピアニストをコンサートホールで聴く、この形だけではなく、かつてのサロンが復活していくのではないか?少人数でのコンサート。大曲バーン・・・というプログラムから、かつてのロマンティックな小品、巨匠たちが愛奏したショウピースの復活が予想できる。日本でもハード(サロン的会場)は整いつつあるように思う。

このゴールデンジュビリー・コンサートで、ホフマンの二人の自分の師匠の作品を演奏している。一人はアントン・ルビンシュタイン。ホフマンが演奏しているピアノ協奏曲の復活はないのかもしれないが、アントン・ルビンシュタインの小品は復活していく可能性はあると思う。もう一人の師匠、モシュコフスキのショウピース、これらの作品は、現在すでに復活傾向にあるのではないか?

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ゴールデンピアノ時代 4 

 

ホフマンの1937年、ゴールデンジュビリー・コンサート。ショパンだけではなく、このラフマニノフも素晴らしい。ホフマンはラフマニノフから3番の協奏曲を献呈されている。でもホフマンはレパートリーとして演奏はしなかったようだ。

手の大きさの問題があったのだろうか?ホフマンは小さな手の持ち主とされているので、それはあるかもしれない。ショパンやベートーヴェンの4番の協奏曲のホフマンの演奏からすると、ラフマニノフの協奏曲はちょっと違うかな、という気がしないでもない。むろん、弾けないということはなかっただろうし、途中で譜読みを挫折とか、そのような理由で弾かなかったわけではないだろうと思う。でも、なんとなく合わないかも・・・とは感じる。この有名なプレリュードを聴くと、でも協奏曲も聴いてみたかったなどと今度は思うが。

写真に残されたホフマンの手、大柄なロシア人たちと比較すると、やはり小さめには感じる。肉厚ではあるが、巨大な手・・・ではない。ホフマンよりも大きな手の日本人女性もいるのではないだろうか?

デ・ラローチャはラフマニノフの3番を弾いている。ホフマンとは時代が異なるのかもしれない。デ・ラローチャは小さな手だったのかもしれないが、指が伸びるというか、軸となる指(おそらく親指?)を支えとして自在に弾いていたのではないかと想像する。親指の支えと指・・・というか手の柔軟性で大曲を弾く・・・みたいな?

重厚、というよりは軽めのコロコロ、クリスタルクリアで舞う・・・のようなホフマンの流儀がラフマニノフの3番とは合わなかったのではないか、そんな気がする。弾く必要性をホフマンが感じなかったとか。

重厚なマシンガン演奏でない、このプレリュードの演奏は貴重かもしれない。中間部は、まさにホフマン・・・だねぇ。

kaz




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ゴールデンピアノ時代 3 

 

ホフマンのジュビリーコンサート、この演奏にはコロコロの見事さと、若さを感じる。永遠の青年が演奏しているという印象。弟子のチェルカスキーも、お爺ちゃん(?)になっても音は艶やかで若かったように思う。「ピアニストは若くあれ」という具体的な指導があったわけではないだろうが・・・

この曲の、過去のショパン・コンクールのコンテスタントたちの演奏に、これほどの若さ、夢を感じさせる演奏があっただろうか?コンテスタントたちの方がホフマンよりも若いのに。

これでもか・・・という力感を感じさせず、音が舞っているような感じで軽いのだ。基音、直接音ではないというか。でもこの曲を、このように弾いてしまったら本選には進めないのかな?

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ゴールデンピアノ時代 2 

 

有名なOp,9-2のノクターン。ホフマンの演奏の魅力的な語り口に惹かれてしまう。当時、ホフマンはライバルたちと比較すると、ザハリヒなピアニスト、楽譜忠実派とされていたらしい。でも、今聴いてみると十二分にロマンティックな演奏と聴こえる。

ホフマンだけに限らないのだが、この時代のピアニストの演奏の特色として、まずは語り口というか、歌があるというか、そのようなところだが、もう一つ、細かな音符の弾き方、音色が現代にはないもののように感じる。軽く、コロコロとしたあの響き・・・

このノクターンでも、トリルとか、駆け下りてくる装飾などに、その「コロコロ」が際立っているように思う。この「コロコロ」はいわゆるミクリ派のピアニストたちの特色とされているが、別にミクリ派ではなくても、コロコロしていたんだな・・・と。ペダルに埋没せずに、指コントロールで聴かせてしまうような?

テクニックも異なるのかもしれないが、ピアノ、つまり楽器も現代のものとは異なっていたのではないか?おそらく、ホフマン仕様というか、非常に敏感な繊細なピアノで弾いていたのではないかと想像する。

「わあ、このピアノ、弾きやすい・・・」今の感覚だと、誰にでも弾きやすいというピアノになるのだろうが、ホフマンのピアノはホフマンだけが弾きやすい、ホフマン仕様のピアノ。凡人が弾くと、「あれぇ、全部がフォルテになっちゃう」弱く弾こうとすると「あれぇ、音が鳴らない」みたいな?そんなピアノ・・・

ホロヴィッツとテクニシャンのフランツ・モアの関係は有名だが、ホフマンにも専任(?)のテクニシャンがいて、この時代は、そのようなオーダーメイドの時代だったのではないか?

多くの亡命ピアニストがアメリカにやってきた。豊かなアメリカ。それまでのサロン的な会場ではなく、大きな演奏会場でピアノが鳴らなければいけない。さらに音量だけではなく、繊細なるコントロール技までも聴かせなければならない。ピアノ会社というか、テクニシャン、そして偉大なピアニストたちが、切磋琢磨した時代だったのではないだろうか?ピアノ改良の時代?

ホフマンは発明家でもあり、たしかピアノの機能に関する特許も持っていたと思う。そのような時代だったのかもしれない。

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